序論：好文章的創作是一個不斷探索和完善的過程，我們為您推薦十篇創作藝術論文范例，希望它們能助您一臂之力，提升您的閱讀品質，帶來更深刻的閱讀感受。

篇（1）

音樂和美術一樣，都是藝術，是人類想象的產物。音樂能夠通過聲音調動人們的思緒，感染人的情緒，由此激發出人類的創作欲望。在美術教學中，教師可以通過音樂的感染力激發學生的想象力，畫出優秀的作品。比如，當《小夜曲》響起時，優雅的旋律把學生帶入了一個美妙的世界，繁星點點、夜鶯鳴唱，風中帶著花香輕撫著孩子的臉。學生心中洶涌著創作的熱情，只想用手中的畫筆畫下這美好的時刻。當《命運》鏗鏘有力的響起時，悲壯的交響樂震撼著學生的心靈，柔軟的線條都不足以表達心中的激情，只有用畫筆通過點、線、面互相結合，畫出強勁有力的音符，才能宣泄心中的激情。音樂可以激發學生的想象力，當學生閉著眼睛，優美的旋律在耳邊流淌，藝術創作之路就向他們鋪開。教師要恰當地引導學生互相討論音樂帶給自己的感受，讓學生自己選擇繪畫工具，如水粉、水彩等，畫出心中的圖畫。教師要適時地對學生作品進行肯定的評價。

（二）用文學作品激發想象

文學家用文字打動人心，畫家用畫筆勾勒世界。兩者都是對社會真善美的藝術展示，優美的文字能激起畫家作畫的欲望。在美術教學中，可以引入傳統文化的精粹，讓文學語言展現魅力，激起學生的想象力。比如，馬致遠的經典詩文《浣溪沙》一系列場景構成了一副優美的圖畫：古藤旁的老樹、小橋、潺潺的流水、茶馬古道、一匹瘦馬、昏黃的落日，這些元素組成了一幅唯美的圖畫，雖然是生活中常見的，但每一組都有其自然風景的特點，從上到下，從遠到近，三組的審美形象的畫面，藝術再現了三維自然風光之美。教師引導學生展開想象，從語言的字里行間感悟生活之美，把學生對生活的體驗形成自己的藝術創作，通過各種形式記錄下來，幫助他們開啟藝術創造的大門。

二、開發潛在意識，創造想象

每個人都會做夢，夢也是人的一種生理現象。大家常說，日有所思，夜有所夢。夢的實質就是人對客觀世界的一種潛意識反應。教師可以引導學生用畫筆畫出夢的場景，盡管里面的人物、事件、場景不是那么清晰，但是學生可以按照自己的想象自由發揮。同時教師可以讓學生欣賞一些頗有自由浪漫和夢幻般的作品，共同分析一些藝術家的表現手法，如夏加爾的《我和村莊》與梵•高的《星夜》，然后用藝術的手段把夢境進一步完善。雖然學生因為年紀小，生活閱歷不足，很多作品比較生澀，但夢境的創作過程，正是想象力和創造力提高的過程。

篇（2）

二、靈感的來源與培養

杜工部的：“讀書破萬卷，下筆如有神”。他所說的“下筆如有神”中的“神”就是靈感，而“讀書破萬卷”是需要下功夫。就他而言，靈感是從功夫中出來的。靈感是在潛意識中的思想突然出現成為意識。在意識中思索的東西應該讓它在潛意識中醞釀一些時候才會成熟。它雖然突如其來，卻不是毫無準備的。如畫家只會出現繪畫的靈感，而不會出現戲劇表演的靈感；因為畫家只是持續進行了繪畫的實踐，而未進行戲劇表演。由此我們知道“讀書破萬卷，下筆如有神”意味著讀書只有讀透書，再落實到筆下，運用起來才能得心應手，有如神助一般。不過靈感的培養不必限于讀書，以下通過三點來分析。

1、明確的創造動機和要求。靈感狀態是各種心理因素的協調配合，無論是吟詩作畫、編劇譜曲，其靈感模式都需要一種模式的心理因素組合，而任何模式的組合都是各種心理因素根據特定的創造動機與要求不斷運動與調整而自然出現的。

2、刻苦持久的創造勞動。俄國畫家列賓認為靈感是“頑強的勞動而獲得的獎賞”。有了強烈的動機要求就需要體現到行動上，再去進行的實踐活動。這個過程中要注意保持思維的靈活性來擺脫僵化的慣性，突破狹隘的范圍。

3、潛意識適當的情緒狀態。情感活動能夠反作用于認識過程；大腦的認識功能都會因為情緒的積極催化而活躍起來。藝術創作的靈感是來源于眾多方面，這種思維活動需要無意中的觸碰才能產生突然間的頓悟，成為藝術創作的源泉。創作者要有豐富的文化底蘊，各門藝術的意象都是觸類旁通的，凡是藝術家都不宜只在本行小范圍之內用功夫，須處處留心玩味。要善于觀察善于挖掘，當累積的知識到一定程度我們頭腦中就會閃現與大千世界觸發所得到的各式各樣的靈感，并使之轉化為藝術品。

篇（3）

藝術的認識活動必須依靠形象思維，但是不能脫離抽象思維。承認形象思維是藝術的主要的、基本的認識方式，并不否認抽象思維的必要性。為了更具體地認識形象思維，筆者認為有必要在比較中研究兩種思維的聯系與區別。

第一，兩種思維在思維的手段上是不同的

形象思維是借助于形象塑造去揭示真理，抽象思維是借助于科學推理去揭示真理。因而藝術家的思維活動，除了遵循認識的一般規律之外，還始終離不開具體可感的物象形態，并且要飽含著感情、發揮著想象，把思想、感情、想象和物象形態有機地糅合在一起來進行藝術思維。形象思維還受作者世界觀的指導和支配，也受制于作者對生活的理解熟悉程度，還決定于作者的藝術素養和對藝術技巧的掌握。《風》是冼星海早年在巴黎寫成的作品，結合作者當時饑寒交迫的境遇，聯想起杜甫《茅屋為秋風所破歌》所描寫的悲涼情景，遙望風雨飄搖的祖國，人生的苦、辣、辛、酸，隨著暴虐的風，一起涌上心頭，悲歌逐漸轉變成怒號。最后，他心目中出現了海市蜃樓般的美妙幻景，于是音樂又發展成充滿幻想的明亮的和弦。

第二，兩種思維在思維方式上是不同的

形象思維主要是通過選自生活中具體的、個別的人物、情節、細節、場地、情態、動作等來塑造單個的典型、生活的形象，顯示生活的本質。抽象思維的方式，是從許多事物中舍棄個別的非本質屬性，以概念抽出共同的、本質的屬性。藝術形象不能以抽象概念為基礎，藝術家決不可忽視具體表現對象的個別性的形式，決不可把現實生活中得來的有代表性的具體材料，拋諸腦后，剩下純概念，把形象思維變成了用形象表現概念的思維。西漢霍去病墓冢前面的《馬踏匈奴》石刻，以戰馬來象征驃騎將軍。雕刻家在藝術創作過程中，觀察、研究并掌握了千百匹馳騁塞北、屢經戰爭的活馬的生動姿態和神情，并從這些“思維具體”中，由此及彼、去粗取精地加以比較和選擇，才有“馬踏匈奴”這樣具象化的石刻形象。成功的藝術作品是以神形兼備的具體個性形象來反映生活的，這就是作品給人以深刻、鮮明、強烈印象的重要原因之一。

第三，兩種思維在思維對象上是不同的

形象思維與抽象思維，都是以外界客觀的現實對象為基礎。從抽象思維的屬性特點來說，世界上的一切具體事物，它都可以把它們變成概念抽象的對象，甚至連藝術本身也可以成為抽象思維的對象，否則世界上就不會有藝術理論。但是不論抽象思維的對象如何廣泛，形象思維還是以其特有的方式側重表現生活中的某些特有內容，這就構成了形象思維的對象——人。藝術作品只有反映人的思想、感情，按人的美的原則進行創造，表現創造者的美學理想，才能成為真正的藝術。就拿造型藝術來說，并不是酷似的描繪就是成功的藝術品，它還必須表現內在神情，這內在的東西是更具藝術對象性質的東西。米開朗琪羅的《被縛的奴隸》雕塑作品中，奴隸雖是用很細的繩子綁捆的，似乎很容易斷，但雕塑家所表現的是精神上的束縛，他所塑造的形象，表現人類靈魂想沖破自己的軀殼，以期獲得無限的自由。正因為這樣，冰冷的石頭獲得了生命。可是抽象思維則不同，即使是研究人的心理活動規律的心理學，也都是側重占有大量表現共性的材料和事實，并從人的某一側面進行研究，得到的是數據和邏輯證明。馬克思的《資本論》研究的對象是“資本主義社會形態”，表現的方式是思想概括。這可以幫助我們認識作為抽象思維形式之一的政治經濟學與文學藝術在對象上的不同。第四，兩種思維在思維的過程上是不同的

一個人體驗到痛苦的可怕或享受的甘甜，然后他把這些感情用諸多形式表現出來，使其他人為這些感情所感染，這就是藝術。藝術家作為思維的主體，在創作過程中，他要深入生活，把握生活源泉，取得藝術創造的原始材料。作為形象思維過程重要標志的是對于思維對象的設身處地的體驗，而對于一般的抽象思維則不是所必需的。因為體驗是為了更好地把握對象，根本目的不是為了自我表現。我們看到有些作品不會隱藏這個“自我”，正面人物成了自己的傳聲筒，反面人物的行為等于自己否定自己，這樣人物行為就沒有真實性，欣賞者看到的是在為人物活動牽線。嚴格地說，這種創作還不能算形象思維，因為作者并沒有真正進入形象思維的過程。而對于一般的抽象思維則不是所必需的。

第五，兩種思維在思維效果上是不同的

抽象思維要分析事物的矛盾，找出解決矛盾的方法，達到以理服人。理論家借助邏輯來表明自己的思想，直接昭人以理。形象思維不采用這種形式，而思維的成果效用也并不如此，藝術作品有教育作用和娛樂作用。人們欣賞藝術作品是要從藝術作品中得到娛樂和休息，通過典型化的形象表演，教育寓于其中。如果藝術家在創作作品的思維過程中，不能提供充滿情感的藝術品，人們就無法感應贊美、仇恨、驚恐、同情等效果。為此，藝術家必須對于所塑造的形象，既能入乎其內，又能出乎其外，千方百計地使形象獲得生命力。藝術的形象思維必須在思維中追求真實性和生動性，以情感人，以景召人，甚至連一幅靜物畫也是如此。

第六，兩種思維在思維的形象上是不同的

無論是藝術家還是科學家，都必須具有想象、幻想和推測的能力。想象、幻想和推測，可以補充在事實的連鎖中不足的和還沒有發現的環節。抽象思維的想象，主體的努力在于證實自己思維的可信性；形象思維的想象，目的在于造成形象體系，表現理想寄托。藝術家為了造成形象體系，以記憶中的生活表象為起點，按一定的創作目標，把散的東西創造為一個既假且真的典型化形象。19世紀法國浪漫主義畫家德拉克洛瓦的名作《自由引導著人民》，畫面中心手持三色旗的自由女神是畫家把現實的真實與奇妙的幻想大膽、成功地結合在一起，女神的形象是認識未來期望感性形式的強烈化的顯現。因為在畫家的心目中，自由是斗爭的向導，自由的斗爭是不可阻擋、不可戰勝的。這種強烈的思想感情轉化為藝術的幻想性的形象，象征著畫家的美學理想。

形象思維問題是一個直接關系到藝術規律的重大理論問題，也是一個全面關系到藝術創造的實踐問題。只有正確地認識和把握它，才能創造出合乎藝術規律的藝術作品。

篇（4）

（1）當代陶瓷藝術是傳統陶瓷藝術的傳承和發展

當代陶瓷藝術創作早已突破傳統陶瓷藝術的界限，在藝術創新的基礎上，以實用為設計目的，用來反映現今時代與社會現實。正是由于當今現實文化的發展，使得一些文化藝術的觀念慢慢滲透，這些都與陶瓷藝術創作的發展息息相關。當代陶瓷藝術突破傳統陶瓷框架的束縛，將之前較為單一的陶瓷藝術手段和藝術模式進行了相應的改變，超越傳統，融合了這個時代所特有的創新手法。例如，創新的工藝技法、意象派圖畫、抽象派視覺語言，并且重視不同的配色和選料，這些手段的契合促進了一種潛意識形態的陶瓷藝術潮流的誕生。在繼承傳統精華的同時，當代陶瓷藝術創作不僅大膽吸收外來文化。例如，一些現代西方文化對其造成了深遠的影響。再加上東方文化的底蘊不斷滋養，使得當代陶瓷藝術家有了不斷試驗、不斷完善、不斷改進，從而完成一件特別的藝術品的底氣。這種通過不斷努力來達成特別藝術效果的過程也體現出了當代陶瓷藝術家的全新創作理念和審美情緒。

（2）當代陶瓷藝術與傳統陶瓷藝術的差異

當代陶瓷藝術的創作是一個完整藝術形態的創造性審美活動，其創作觀念的差異與表達方式的區別是當代陶瓷藝術與傳統陶瓷藝術最大的差異。正因為在藝術界，無論何種藝術品的誕生都需要其體現整個時代的精神。因此，當代陶瓷藝術通過體現當代這個時代現實的開放性思維和綜合交叉的多向思維方式，從而賦予了自身更加強烈的個性追求與現實迫切需要。從這一點上來說，當代陶瓷藝術相較于傳統陶瓷藝術對于藝術表現力方面顯得更為重視，尤其是注重當代藝術的現實表現力、對現實心靈的揭示能力以及當今現實社會精神的感染力和思維創造力。

1.2科技與當代陶瓷藝術創作

在陶瓷藝術創作的過程中，工藝是十分重要的。既然陶瓷藝術是取之自然造福人類的藝術，而在陶瓷藝術成品成型的過程中需要人類的手工實踐活動進行磨合，這種手段稱為“工藝”。只有技術水平有保障的、運用高新科學技術的、能夠運用理性判斷得到大家認可的工藝，才是真正能夠符合當代審美、合乎目的性、具有實用價值的合理有效的科技工藝。從工藝方面來說，當代陶瓷藝術使用大自然所給予人類的泥和火進行鍛造和揉捻。原本形態各異的、柔軟的泥土，在藝術家的巧手惠心之下進行精心的雕琢之后，放入爐火之中進行燒制，才能夠變成滿含陶瓷藝術家心血的藝術品。這種藝術品不僅富有情感，而且能夠給人們帶來視覺的沖擊和愉悅的享受。現在隨著科技的發展，數學理論和數字技術在陶瓷的制造過程中被大量的使用。這種高科技手法的使用加速了當代陶瓷藝術創作的發展，也開拓了當代陶瓷藝術的新視野。

（1）數學理論在當代陶瓷藝術創作中的應用

一些陶瓷藝術品創作者通過運用數學理念對陶瓷藝術進行了完美的詮釋。例如，日本京瓷公司所開發出來的高科技陶瓷刀，完美地運用了陶瓷的耐腐蝕度高、化學穩定性好等特點，使得這種產品的性能遠超一般的金屬刀片。而在藝術作品方面，將陶瓷這種原料做成三角錐或者圓錐等幾何拼接的圖案進行鏤空的加工和雕琢，讓這種材料的材質得以完美地展現。或者只是將陶瓷做成立方體，之后再進行加減法的切割工藝，顯得十分整潔和干練。或者是加工成圓形和弧形之后再進行相應的組合，使之曲線分明，簡單明快，充滿欣喜的律動感。再或者使用更加高科技的工藝讓陶瓷的表面產生扭曲的質感，采用數學曲線的理論，充滿趣味性的將陶瓷延展成為一個曲面，讓陶瓷那種脆生生的質感與數學曲線的柔美進行完美的結合，并且在燒制的過程中注意高科技的時間控制，讓陶瓷工藝品的性能更加良好和完善。

（2）數字技術在陶瓷圖案制作中的應用

除去其他的光環，陶瓷藝術還可以稱為是繪畫和雕塑相加的藝術。在這種藝術形式之中，繪畫是指陶瓷的圖案制作方面。既然是二者相加的藝術，那么圖案所能夠展現出的陶瓷藝術魅力自然也不必多言。在傳統意義上來說，陶瓷藝術品的誕生可以分為兩半。第一半人為因素的控制，另一半是指陶瓷工藝品在進窯燒制過程中是無法預測的，因為燒制高溫的緣故而脫離了人類的束縛范圍，導致燒制結果無法控制。為了減少在燒制過程中的損失，以及工藝品圖案經過高溫之后變色的不可抑制性，數字技術就應運而生，被應用于陶瓷的圖案之作過程中。傳統釉料需要高溫窯變形成最終的顏色。因此，難以直接地進行圖案設計，尤其是當代一些科技圖案或者一些抽象的圖案印到瓷器上就有很大的難度。可以通過借助現代數字技術的方法，利用數字技術輔助設計陶瓷圖案。最常用的方法是熱轉印技術，即在計算機里設計圖案，這種圖案是由一些十分精密的數學圖案構成的，其細膩程度遠非人工繪畫所能達到的。然后再使用噴墨打印機進行處理，最終采取熱傳因技術印制到陶瓷工藝品表面。這樣有利于保持圖案的色澤和光鮮度。

篇（5）

他進一步指出，“一件東西的原真性包括它在問世那一刻起可以繼承的所有東西，包括它實際存在的時間的長短以及它曾經存在過的歷史證據”［2］86，從手工制作的獨一無二的藝術品向大批量復制生產的一模一樣毫無個性的藝術品的轉換，表現為藝術品個性和原真性的喪失，即使是最完美的機械復制手段也無法實現對藝術品原真性的復制，其直接后果是“韻味”或者“光暈”的終結。這種大批量生產的喪失“原真性”與“韻味”的工業產品（即復制的藝術品）導致原作或原本的權威性消失殆盡，無差別的復制使得人們已經無法甚至不愿意去區分哪一件作品是原作，哪一件作品是復制品，傳統藝術的膜拜功能讓位于現代藝術的展示功能，韻味式的靜觀讓位于震驚式體驗的直接性和即時性。這種無差別、無個性的藝術品成為接受群體直接面對的藝術消費品，結果是藝術消費者對“工業”藝術品的快餐式消費。他們不愿也不會有意識地去追問作品的原創性問題。原創者是誰？原創者是否存在？這些傳統藝術的核心問題已不能在他們內心深處激起漣漪，創作主體的核心地位受到嚴重挑戰。在數字復制時代，依然存在著這樣的現象，不同的是，新媒體藝術作品更多的是一種動態影像或未完成的開放結構，要求接受者參與藝術作品的創作，召喚其共同完成藝術品。這極大地分解了創作主體對作品的絕對控制力，改變了傳統藝術中“創作者”與“接受者”之間的關系。俄羅斯文學理論家米克海•M•巴克廷提出“原創者的危機”（Crisisofauthorship），認為并非只有“唯一”的概念與個體以及其創作過程相聯系，這個概念恰恰是在文化藝術中關于作品所具有的“地位”的再定義。［3］185互動多媒體藝術、虛擬現實藝術、網絡藝術和遙在藝術更是將接受者的反應與參與納入作品內部成為其有機組成部分，打破傳統藝術創作與接受之間的明顯界限，解構創作主體與接受主體之間的身份概念，藝術遂由作者的“獨白”轉向“對話”。

另一種情況是，新媒體藝術在創作方式上出現新變化，突出地顯現為藝術家與技術人員等其他人員的合作。新媒體藝術與傳統藝術最大的不同在于對高科技的依賴，它要求完美地將藝術與科技成果最大限度地結合起來，找到兩者的最佳結合點。這就給藝術家的創作帶來挑戰，在技術上提出了更高的要求。隨著社會分工的細化和專業知識學科的系統化，像達芬奇式的全才已被歷史淹沒。“現代化的過程就是一個不斷加深的分化過程，宗教———形而上學的宗教觀被不斷細分的專業領域和知識所取代。———伴隨著現代社會劇烈的分化過程，———這一分化過程既給藝術家帶來了限制，又給他們帶來了自由。”［4］分化過程帶來的限制主要是指藝術家很難做到“跨行”或“跨領域”進行藝術創作，“自由”則主要是指藝術家可以像其他專業領域里的人一樣封閉在自己狹窄的專業領域里從事藝術創作。新媒體藝術的實踐則要求超越這種社會分工和專業細分所帶來的“限制”與“自由”，運用新媒體和新技術進行藝術實踐，這潛在地昭示著新媒體藝術家必須掌握最新的科技成果并將其運用于具體藝術實踐中。這何以能夠？面對這樣的現實，藝術家們認識到通常單憑個人的經驗和知識很難完成一件藝術作品，新媒體藝術不同于架上藝術和雕塑藝術可以由藝術家獨立完成。對于許多新媒體藝術家來說，要想將其藝術構思和創意借助于最新的媒體技術表達出來，就需要與其他人合作，當然，與專業技術人員和科學研發人員的合作往往是實現其藝術構思與創意的最佳選擇。

英國當代藝術研究中心新媒體部主任BenJaminWeil一語中的地指出：“藝術作品首先需要提出藝術家的觀念，然后再由技術提出最為巧妙和聰明的解決方法并將其完成。”［5］在當代新媒體藝術實踐中，這不失為一種解決策略。一件新媒體藝術作品意味著有多個作者，這不可避免地消解傳統意義的那個“獨一無二”的作者身份及其權力，作者隱退于創作權的分解之中。針對這種情況，有人甚至提出“主要創作者”［3］191的概念，認為作者已不是作品獨一無二的創作者，作品是作者與其他參與者/互動者共同完成的，只不過，他是“主要創作者”。這表征著作者權的衰微———作者的權威地位被眾多的參與者和合作者打破與分享。

二、新媒體藝術創作媒材的非物質化傾向

傳統藝術形成了一套藝術語言系統和創作方法，建立起了一套與其形態和樣式相匹配的相對穩定的審美趣味、審美經驗與體驗、審美理想和審美準則。但攝影技術和機械復制技術動搖了傳統藝術美學的根基，將藝術與媒介材質的問題提上議程。未來主義、構成主義、極簡主義、立體主義和激浪主義等藝術流派嘗試將各種新的藝術媒材用于藝術創作，打破傳統藝術的媒材限制，探討藝術實踐的多種可能性及其意義，倡導用科學技術來創造和理解藝術及其世界，表現出與傳統藝術相異的藝術趣味，向人們展示運用各種新媒材進行藝術表現的可能性，開闊了人們的藝術視野。20世紀60年代，白南準率先使用電視和錄像進行藝術創作。此后，實驗電影、實驗錄像、實驗攝影等紛紛利用電子影像進行藝術創作，并在此基礎上形成了以模擬信號和電子信號為基礎的影像藝術。利用影像技術及其相關技術設備進行藝術實踐成為新媒體藝術創作的主要傾向。20世紀90年代以來，網絡技術、互動技術、動畫技術、電子游戲技術、三維視覺技術、遠程通信技術和虛擬現實技術以及計算機數字編輯技術等開始進入新媒體藝術的創作領域。這一時期新媒體藝術不同于傳統藝術媒介的顯著特點是它的非物質化，這種非物質化特征以“數字”技術為支撐。數字影像成為新媒體藝術創作的新工具和新媒材，尤其是網絡技術、遠程通信和虛擬現實技術的發展，形成了一個與現實世界完全不同的“虛擬”的真實世界。新媒體技術不僅是作為一種新的手段和媒材進入藝術領域，更重要的是從外形到內核的深度融合，這種深度融合不僅賦予其一種技術上的魅力和優越性，更彰顯了新媒體藝術實踐的一種非物質的造型基質和審美維度。

在傳統藝術實踐中，藝術家總是借助具體可感的物質性材料來表達情感、傳達生命體驗，通過藝術形象、審美意象、藝術形式等將自己的內心感受、生命體驗和豐富情感以“物象化”的形式表現出來，以實現對自己創造力的發現與肯定，確證自己的存在。從創作媒材的介質意義上說，物質性是其最大的特點。筆者稱這個過程為創作媒材的“物象化”過程，它是一個“以物載象，以象通意”的過程，這是現代藝術之前的藝術（包括部分現代藝術）主要的創作方式和媒材運用方式。進入20世紀中期，科技的巨大進步和各種新材料的出現使藝術創作媒材發生變化，它突破以傳統創作媒材為根基的物質層而以影像形式作為其基本構成，這種影像形式包括使用模擬信號和電路傳輸的電子影像，以及以計算機數字技術為支撐的數字影像，主要體現在錄像藝術、實驗攝影、多媒融合藝術、計算機藝術、網絡藝術和遠程通信藝術等具體的藝術實踐中。“影像就是媒材”［6］，這是新媒體藝術創作的一個重要特征。“影像作為媒介，主要是指電子和數字成像技術制作的可復制圖像，隨著電影、電視及其派生技術而出現的包括電影、電視、錄像等設備和計算機、網絡、數字技術等高新科技主控和傳播的圖像。自攝影術發明以來的攝影、電影、電視、錄像、網絡藝術、多媒體藝術和數字藝術都是以影像為媒介的藝術類型。”［7］筆者傾向于將新媒體藝術創作的“影像化”與“數字化”劃分為兩個不同層次和階段。“影像化”主要指使用模擬信號和電路傳輸的電子影像，這是新媒體藝術創作媒材“影像化”的初級形式。它作為活動影像是以電子傳輸和存儲的模擬信號和光信號處理產生的影像，以像素為基本單位。

這種電子影像媒材是早期新媒體藝術家普遍運用的創作媒材和表達手段，它依賴于攝像、錄像、電視和其它相關設備，存在于光學圖像與電子圖像之中而脫離藝術作品的物質媒介而存在。“數字化”主要指數字影像及其相關技術和設備。隨著計算機硬軟件、網絡技術和計算機語言（二進制）的發展，數字影像成為新媒材和新工具。這是新媒體藝術創作媒材“影像化”的高級階段，它是未來很長一段時期藝術創作的主要媒材。這種“數字化”的影像以數字技術為支撐，以“比特”（bit）作為信息載體和傳播內容，以二進制數據（即0和1）為基本單位，運用計算機技術生成前所未有的數字影像。這種全新的影像生成方式與過程，為我們展示了關于藝術形式的別樣圖景。許多網絡藝術作品與虛擬現實作品充分體現了“數字化”影像的非物質性即虛擬性特征。以“比特”為其基本單位的數字技術引發了新媒體藝術的非物質化傾向，憑借著“比特”的超強融合能力和數字技術及其相關元素/設備的運用“，數字化”影像作為創作媒材和基本語言方式不僅能夠完成對物質世界的表現，更重要的是能夠完成對非物質世界的表現———在現實世界之外構筑一個完全不同于現實世界的真實的“虛擬世界”，將新媒體藝術的實踐推向一個非物質的世界：“數字的現實從根本上是間離物質的現實的”［8］。在這個非物質的世界里，所有一切都是由數字運算形成的圖像符號系統。它不再局限于“再現真實”和“表現現實”，甚至不再需要擁有物理的真實，而是通過數字化產生或者追求虛擬存在的真實。越來越多的藝術家利用各種數字影像記錄設備和非線性編輯系統、計算機圖像處理系統來建構自己的藝術作品，這已成為新媒體藝術創作的潮流。

三、非線性敘事和超文本的藝術表達方式

提出新媒體藝術的非線性敘事方式意味著存在線性敘事方式。線性敘事方式是傳統藝術的主要敘事方式，它以印刷文化文本邏輯為基礎，倚重的是作為邏輯與理性記號的意義鏈，形成的是一個穩定的、不可改變的作品結構和形態，表征為“線性文本”，它呈線性遞進，即使是某些時空顛倒的情節和意識流片段、偶爾出現的倒敘和插敘等都不會對基礎性的線性結構造成較大改變，不會影響藝術作品的最終形態或結構和意義，其終極目標是藝術作品結構或形態的穩定性和意義的確定性。接受者只能按照作品展開順序按部就班地連續閱讀，沿著時間的直線進程加以欣賞。以“影像”為創作媒材建構的影像文化則使人們的審美習慣從線性文本轉向觀看的非線性文本。有人早就預言：“視覺和聲音對現代人的感覺器官產生的各種影響所引起的沖擊，非線性邏輯必將占著優勢。”［9］在馬歇爾•麥克盧漢看來，“書媒介影響視覺，使人的感知成線狀結構；視聽媒介影響觸覺，使人的感知成三維結構”［10］。影像文化對傳統文化的表達邏輯進行改寫并導致對傳統藝術敘事方式的顛覆。“新媒體藝術對敘事的開放恰恰是把敘事作為游戲空間的特征，它是能動的，充滿可能性語言的游戲，從而可以重組現實、割裂現實，重新調整事物的關系和意義。這樣的敘事性將會有助于人們以一種開放的態度理解生活。新媒體藝術希望用更互動、更具想象的方式重新建構敘事。”［11］新媒體藝術建構的這種敘事方式就是非線性敘事，它有效地解構線性敘事之傳統，表現出與傳統藝術敘事之不同特質，正如羅伊•阿斯科特所指出的那樣：“（新媒體———筆者注）藝術不再是線性事件，它不再強調和諧、完整、明確，它也沒有一定順序，或是最終完成。相反，它是開放性的，易變，短暫，具有試驗性、虛擬性。藝術是主動形成而不是被動形成的，它強調其過程，具有偶然性。這些變化系統的技術，完成了人類內心深處的欲望：超越身體，時間和空間的限制；擺脫了語言局限，戰勝了自我與身份識別……我們不用擔心或害怕新技術會導致性質相同、統一的和遲緩的文化”［12］。

這種非線性是多元的、任意的和不確定的，它通過解散、打亂、重組、鏈接、跳躍，由不同路徑或多路徑進入作品引起作品之內容和意義發生變化，表現出一種起伏斷續、無序的“碎片化”狀態以突破傳統線性敘事之連續不斷和有序，重視敘事的語義空間性，通過建立鏈接敘事，組成具有“超文本”性質的不穩定的、易于變化的、開放的敘事空間結構。在這個空間里，審美主體可根據自己的習慣、愛好、學識修養和思維方式來選擇某種方式進入作品之中參與作品的形態及意義建構。在新媒體藝術中，網絡藝術凸顯非線性敘事特征。網絡藝術采用網狀結構組織信息，形成一個多路徑、多渠道、多維度的時空結構。接受者可根據自己的審美習慣、審美趣味、知識結構甚至是喜好對作品情節進行非線性的重新組合，可隨意從電子文本的這一點跳躍到另一點，從這一端跳躍到另一端，從這一邊點擊鏈接到另一邊，可由多種路徑介入作品引起作品形態之變化，不同的進入路徑會導致不同的藝術欣賞結果和審美感受。曹斐的《鏈》，宋冬的《非線性敘事：電梯》，邱志杰的《推背圖》，張培力的《進食》，汪建偉的《連接》等對此都進行了有力的詮釋。這種非線性敘事得以大展身手離不開數字影像非線性編輯技術的支持。非線性編輯使新媒體藝術的編輯可以隨意進行，自由地實現跳躍式剪輯并在此基礎上形成新媒體藝術的非線性敘事結構與表達方式。

篇（6）

從好萊塢年的《小飛象》,到后來的巔峰之作獅子王,再到如今的新貴拯救尼莫、小馬王,以動物為主題的電影當仁不讓地大行其道。如果再說起紅極一時的《小豬寶貝》、只斑點狗》精靈鼠小弟》、侏羅紀公園等影片我們就能發現,無論是以動畫形式還是以普通電影形式出現,自然和動物題材的電影受到越來越多的各年齡層次觀眾的青睞,而在票房和口碑雙底的背后則是電影人對于生態自然與人類世界關系問題的關注。這其中有的高揚人類面對神秘自然戰無不勝的大旗,有的則揭示人對自然生態過分的征服和侵犯,有的還把人與動物的親密無間放大并呈現出來。雖然這些電影主題的角度各有不同,但都共同提醒著人們關注生態自然環境、營造人與自然和諧共存的新關系。同時創作者們嚴謹認真的創作態度和巧妙的主題滲透,也讓動物電影沒有失去其本身的藝術價值。探究這種藝術創作背后的推動力,有人類社會發展和生態變化的促動,有“復歸于嬰兒”,回歸自然的藝術創作追求的引導,也有更深層的哲學精神的思考。因此動物電影創作的繁盛便牽引出了我們對人與自然這個老話題的新的診釋。

有人說當人類砍倒第一棵樹的時候,文明誕生了當人類砍倒最后一棵樹的時候,文明毀滅了。作為整個地球生態系統的靈長,人類為了滿足自身繁衍發展的需求,就要從生態自然之中汲取養料征服和改造世界,與此同時,人的聰明智慧和行為的能動性,也決定了這種對自然的開發利用過程也是文明產生和進步的必然過程。但隨著人的創造潛力被逐漸挖掘,改造世界的能力突飛猛進地增強,人在生態整體中的重要性和主動性被極大地提升,人類通過生產實踐活動逐漸與自然剝離開來,于是人與自然之間的距離以及不符合自然規律的人類活動,就招致了整個自然生態系統平衡的破壞,舊平衡的破壞預示著要建立新的平衡,于人而言的自然災害就是生態系統尋求新平衡的必然結果,在歷經無數次災害教訓的慘痛洗禮之后,人們也通過不同的方式對長時間固守思維之中的“人類中心論”進行冷靜地反省,其中藝術可以說是一面針貶時弊而又觸動靈魂的鏡子,因此它用特殊的語言來反思人與生態的問題。近些年,生態文藝作品層出不窮,特別是動物電影盛極一時并愈演愈烈,其背后重要的原因之一,就是人類長期向自然無度的進軍和擴張換來了無法歷數的問題甚至災難,在實現人的價值的同時失卻了面對自然環境的人性這些問題都最門創作動機的重要來源,這種創作動機和動力也就是藝術家的使命意識。使命意識出自于藝術家身上不可磨滅的社會性烙印,出自于他們敏銳的洞察力,更決定于他們超越社會現象而對本質問題所作的深刻思考,就像國難當頭的時刻,奮迅認識到一個國家民族的精神滅亡比生理創傷更加致命,便毅然決然地“棄醫從文”,用藝術的力肩負起拯救社會和民族精神的貴任如今生態自然已經向貪婪而無動于衷的人類一次次發出警告毀滅性懲罰也一次比一次加劇肌、禽流感的大面積流行證明了人類越來越嚴重的脆弱、這時藝術家同樣也用自己的方式擔起了拯救自然、重建人文精神的使命一部小馬王》沒有給主角小馬加上擬人化的語言,在藝術形象上盡還原自然生物的真實狀態,在主題中則用藝術真實讓我們認識了偉大的美國西部拓荒運動雖然推動了文明的演進,但卻破壞了原始狀態的自然群落和生命狀態拯救尼英》中人類的隨意探險、征服和享用也成為了破壞海底世界安寧的罪魁禍首,成為了動物們的頭號大敵《侏羅紀公園》則用血琳琳的鏡頭和夸張的幻想告訴人們,自然生物有著自己的發展規律及其方向,而不是任人擺布的機器,并且由此冷靜地告訴人們,被人類知曉的生態自然只是冰山一角,其豐富性和復雜程度遠非人類想象得簡單。作為觀眾來講,隨若文明程度的提高以及一次次沉重的教訓,人們逐漸能夠客觀冷靜地認識到,人與自然同存在于一個生態系統之中分割了它的整體性和系統性必將導致天平的傾斜,藝術作品背后告誡人們的是應當拋棄自我膨脹,學會還原自然、回歸自然、與自然共存,因此像這樣用科技手段虛構動物與人的故事來尖銳揭搏人類缺點的藝術創作便能夠喚起更多人們的換位思考,從生態自然的整體和人與自然的交流中體會人的序位,調整人的行為,增強自我意識和自我反省,以達到藝術作品應有的社會價值和人類價值。

動物電影與災難片一樣都具有相同的社會警示功能和價值,但它卻多以輕松天真的兒童的視角來關注主題,大都透出了自然童趣的風格,這既表明創作者兼顧社會價值與藝術價值的融合,對作品藝術性不離不棄,另一方面也展現了作者自然、童真、純樸的藝術創作追求,因而童心也是動物電影創作另一大心理動力。兒童由于沒有邏輯觀念和因果觀念缺少理性思維,因而有著出于自然的隨心所欲的沖動,美學家席勒就把這種兒童的沖動與藝術的創作沖動聯系起來,認為藝術沖動就是兒童在游戲中自由、大膽、感情用事的沖動。在游戲中,兒童能夠天馬行空地發揮想象力和創造力,沒有任何思想禁錮和規則束縛一塊橡皮泥能夠捏出千奇百怪的姿態,幾個小朋友就能夠組織成一個有老有少的大家庭一起“過家家’而同樣,真正的藝術創作也是在“忘我”、拋棄限制的境界中完成的,藝術想象力和創造力讓藝術家必須去掉蒙蔽、實用和功利色彩,接受自然,服從自然、回歸自然,才能使自己的作品成為獨一無二的渾然天成之作。以各種形式出現的動物電影一經問世,便受到了各年齡階層觀眾的喜愛,首先便是它有著其他題材的影片所不能比擬的游戲般大膽和富于想象力的創作,小老鼠過著人的生活并且成為了人類家庭的一員,魚兒也擁有自己的學校和老,這些自由天然的想法經常出現在兒童現實生活的腦海里,但隨著年齡的增長,教育和管束程度的提高,這些自然沖動和“妄想”也漸漸在社會化進程中消失殆盡,而只有藝術創作者能夠將這些童年的積累內化并保存下來,“理所應當”地在藝術創作中將他們一一實現。然而,在物質生活極大膨脹的今天藝術家創作也難免不受物欲功利的影響流于一般,而動物電影這種復歸于童心的自然風格的確讓我們眼前一亮,為新時代科學技術主宰下的電影創作帶來了新的生命。這種新生是藝術家創作的社會性、技術性和藝術性、童稚和成熟、人與自然的契合,因為藝術始終是人為的也是為人服務的,不經雕琢的游戲和童真還不能稱之為藝術創作,如101只斑點狗中人要幸狗皮做大衣,而斑點狗們卻展開了一場游戲般的“斗爭’,不僅讓觀眾捧腹一笑,還讓觀眾在捧腹之間重新審視人類自以為正確的行為,這種動物電影正如老子所說的“復歸”,經歷“出淤泥’的過程而返歸自然,用自然的狀態抒寫人與自然,這應當是藝術創作到達的頂峰。無論是自然生態的變化帶給了藝術家創作上的靈感刺激,或是創作者對自然和童稚的心理吁求,其背后都是一雙無形的大手在起著主導作用,這就是“天人合一”“萬物一體”的哲學精神。人類在認識世界過程中的一大飛躍就是將人類自我與混沌的自然世界區分開來逐漸形成了人類社會及其生存方式,因此在過去的一百年間人類獲得了比以往更迅速的發展,“人類生存”的思想也占據著主導地位,但隨之愈來愈嚴竣的生態環境問題在今天甚至更遠的未來,都成為最大的阻礙發展、威脅生存的巨石,如何解決這一致命的威脅,其實中國古代哲人在千年之前就告訴了我們答案天人合一。人類認識世界的更高階段應該是超出“主一客”關系的外在性和自然為我所用的思想,將人本身納入生態系統整體之中,復歸于自然,也只有這樣才能真正在實際行動中拯救人類,變“人類生存”為“自然界生存”。其實真正的藝術家就是在經歷這種“主一客”二分的關系之后努力在藝術創作中拋棄知識、功利和道德以達到對“天人合一”的復歸。他們有著與兒童相似的“物我不分”的創作境界,但也經歷了人對世李的主客體認識和實踐,因此真正好的藝術作品是人與自然、世界的交融,是出于藝術家自然真摯成熟的感情。動物電影用比以往更加豐厚的情感主題來表達作為自然整體一部分的人應該具有的善、博愛和激情。《小豬寶貝》、《精靈鼠小弟中人和動物有粉親密無間的平等的感情,獅子王小馬王》中動物之間也擁有人類般的純潔的愛情和友情,而《拯救尼莫》則展現了人與動物所共有的親情摯愛,上演了一出父子大營救的精彩好戲,其中還滲透著有關子女教育的主題中國的動物影片白馬飛飛以及《卡拉是條狗中也都蘊含若作為人類的親密戰友和伙伴動物寫人難舍難分的情結。情感是人區別于動物的獨一無二的素質,而在動物影片之中,創作者摒棄了以往以人為中心的藝術創作慣例,將人與動物的各種特質結合得恰到好處,塑造了一系列人性化十足、情感豐富的動物角色,同時把人和自然環境放在了彼此平等的天平上「,顯示了對人所生長的自然環境的尊重,展現了人與自然共存的世界圖景,這便是藝術家在萬物相融的哲學精神引導下產生的藝術追求的升華,而在人類發展和創造的起步階段,主體的人正用客體的改變來證明自身的能,藝術作品也多以展現人類的認識能力、征服力和主人姿態為目的,鮮有這種精心博大的創作追求被人采納和接受,而如今這種藝術創作被廣泛接受并流行開來,從另一個側面說明了現代哲學所說的人生境界中最高級的“天人合一”,正在深入人心。

從現實生態問題的刺激,到藝術家對童心的創作心理的追求,再到更深層的哲學精神的引領,動物電影的創作者在多重心理動力的推動之下,用人們喜聞樂見的方式客觀呈現了人類行為的缺陷,診釋了嶄新的人與自然的關系,同時也讓“天人合一”的藝術創作境界不再虛無縹緲而有了現實的成功范式,在功利性與藝術性此起彼伏的創作圈里為自然而去功利的藝術創作加上了一個重重的祛碼。“地球不屬于我們,相反,我們屬于地球。”動物電影借藝術語吉告訴人們,去除人的自我中心意識、回歸自然統一是保護人類、保護生態、穗定發展的關鍵,是藝術創作的生命力所在,也應當是人生境界的至高追求。

篇（7）

2要不斷進行創造實踐

繪畫基礎與雕刻技術是刻瓷藝術的基本功，但最重要、最根本的基本功，則是想象力。有無想象力，是區分藝術家與匠人的分水嶺。缺乏想象力，就談不上創作。想象力是需要鍛煉的，即是從實踐中不斷地發現總結，經驗積累多了，提供想象的底子也就深厚了。刻瓷藝術創作的實踐活動，主要有臨摹和寫生兩種形式。臨摹與寫生是手段，創作是目的，藝術作品越有創造性，就越有生命力。通過臨摹、寫生，去奠定創作的基礎，去發現和區別，去體會，去感悟，去啟發靈感，去獲得創作的沖動。沒有發現就沒有創造，沒有區別就沒有獨立。要從生活中捕捉感覺，從傳統中尋找語言，從創作中發現自己。這三者之間互為因果，缺一不可。刻瓷藝術工作者始終要把創造放在第一位。李可染先生講：“要精讀兩本書：一本叫做傳統，一本叫做大自然”。我們的刻瓷藝術家同樣如此，也要在繼承傳統的基礎上，不斷深入生活，深入社會，深入大自然，廣泛掌握一手資料。通過對這些原始資料的分析研究，加上藝術家的靈感物化，方能逐漸進入創作過程，也即是刻瓷創作的實踐過程。實踐、認識，再實踐、再認識，這樣長期堅持下去，才能不斷提高刻瓷藝術的創作水平。任何藝術家都離不開實踐，只有通過長期不斷地創作實踐，才能創作出更多更好的作品。創作的關鍵是發現美、創造美。發現美是藝術家要具備的第一要素。刻瓷創作是關于塑造形象的藝術，也是刻瓷者發現美、創造美的過程。吳冠中先生指出：“畫家要具備描繪物象的能力，但關鍵問題是能否敏銳地捕捉住對象的美。”刻瓷工作者必須不斷擦亮自己的眼睛，不斷提高自己的審美認識，為創造美提供營養，使作品來源于生活又高于生活。

篇（8）

（一）創作的早期在1853年到1864年這段時間，勃拉姆斯在音樂創作的初期階段深受古典主義大師的熏陶和影響，其中受貝多芬和巴赫的影響尤為顯著。在著兩位古典主義大師的熏陶下，勃拉姆斯的作品創作大多都嚴格遵循古典主義的創作理念。作品內容大多是取材于德國民歌，表現著德國民間的日常生活狀態和生活的氣息。當時的勃拉姆斯年輕氣盛才華橫溢，充滿了創作的激情和沖動。我們從勃拉姆斯早期的作品當中就能感受到其極佳的創作才華和源源不斷的創作動力。早期的代表作品包括《打鐵匠》、《真愛》、《愛的忠誠》等。

（二）創作的鼎盛時期1865年到1884年這二十年左右的時間是勃拉姆斯創作日漸成熟直至頂峰的時期。在這一段時間之內，德意志由分裂逐步走向統一，所以在這一段時間的作品當中，勃拉姆斯常常將祖國統一帶來的喜悅和興奮表現在作品當中，使得這一時期的作品表現出勃拉姆斯其他作品當中少見的活潑和輕松。這一時期的代表作品包括《德意志安魂曲》、《徒勞小夜曲》、《五月之夜》等等。在這之中，《德意志安魂曲》更是其一生的標志。這部作品與前人的安魂曲相比，無論在內容或是音樂形式上，勃拉姆斯的《德意志安魂曲》都開拓出了一個全新的境界。這是勃拉姆斯最偉大的作品，也標志著勃拉姆斯的音樂創作走向巔峰。

（三）創作的晚期1884年之后，勃拉姆斯進入了創作生涯的晚期，因為年齡和人生閱歷的緣故，勃拉姆斯在這個時期的作品當中，更多的是對死亡和人生意義的探討和追問。將音樂作品的音樂內涵從德國民間生活、時代精神轉移到精神層面的深度思索。勃拉姆斯深受古典主義音樂的影響，創作風格一貫公正嚴謹。到了晚年，勃拉姆斯對自己的創作要求更是苛刻。這一時期的主要代表作品包括《死是冰冷的餓夜》、《在教堂的墓地》、《四首嚴肅歌曲》等等。

二、勃拉姆斯音樂作品的創作特點

（一）深深的民族烙印在浪漫主義時期，將音樂與民族風格相結合是這個時期的一個突出的特征。這也是勃拉姆斯音樂創作的代表特征。勃拉姆斯深受德國、奧地利民間音樂創作風格的影響，吸收了它們的創作特點。在音樂創作上，采用分解三和弦的結構，通過民歌般親切自然的旋律，不管在形式上還是在內容上都表現得十分飽滿豐富。勃拉姆斯在音樂創作的過程當中，將德奧匈等國家的民間音樂素材相互融合，創造出新的統一體，形成了自己鮮明的音樂風格。保持著民歌樸素、真摯、清新的特點，同時又包含豐富的情感表達。例如勃拉姆斯的《搖籃曲》就是勃拉姆斯因為好友喜得貴子而創作的。這首音樂的音樂素材來源于侖德勒舞曲，速度偏慢節奏和緩。作品旋律和緩幽靜，包含著綿綿深情，仿佛是母親凝望孩子的溫柔眼神，充滿了母親對孩子的柔情和憐愛。此外，勃拉姆斯在鋼琴伴奏的部分還巧妙運用了切分音，使得整個音樂作品表現力更加豐富，讓人仿佛看見了一個慈愛的母親在孩子的床頭輕輕的晃著搖籃哄孩子入睡。

（二）深沉憂郁的抒情我們在欣賞勃拉姆斯的作品時，總能感受到在嚴謹的古典主義框架下的深沉憂郁的綿綿深情。勃拉姆斯的音樂作品將細致的情感刻畫和思索融合在了古典主義的形式之下，將音樂欣賞和精神問題以及哲學問題的思索結合在了一起。在題材上，這些作品常常偏重于對死亡痛苦和刻畫和思考。形成了勃拉姆斯特有的抒情風格。例如，勃拉姆斯在1873年創作的《你的藍色眼睛》當中，勃拉姆斯通過舒緩的節奏和優美溫暖的曲調，表現了作品主人公在經歷情感波折之后，逐漸傷口愈合，找到了心靈的歸處后的內心平靜和愉悅。

篇（9）

二、東北高校版畫專業吸取民間剪紙藝術形態進行藝術創作及教學研究的基礎

作為東北特殊地域環境下的高校版畫教學，其任務是在承揚傳統西方創作性版畫的教學基礎上融入多維的教學資源，制定趨于現代意識和學術意識的多元化教學氛圍，轉變版畫形式化的肌理符號和游戲性的創作傾向，恢復版畫在當代開放性藝術環境中專業語言的寬泛和張力，特別是應吸取東北地域長期根存和優秀的民間藝術傳統"理由如下:

1.版畫藝術自身具有較強的民間藝術根基

中國民間版畫歷史悠久，不但在民間是群眾喜聞樂見的藝術形式，而且以它廣泛的表現內容、精湛優美的表現技巧、久遠的歷史傳統和普遍豐厚的審美層次，成為中國繪畫史上的精美一頁"民間木版插圖畫自唐宋起，便作為印刷雕版技術印刷書籍的重要組成部分，明清時期中國木版畫發展到了鼎盛時期，特別是以陳老蓮為代表的畫家親自參與到木刻版畫設計并創作的/水滸葉子0等作品，在中國木版畫發展史上占有極其重要的地位，進而形成了中國木版年畫各地不同、獨樹一幟的藝術特色，并輾轉流傳至今"。

2.東北地區民間剪紙藝術具有較強的民族審美特征

滿族民間剪紙最早起源于巫術活動，即北回歸線附近世界各民族共同的原始)薩滿教"薩滿教是一種原始人類母系氏族時期原始的多神教，不但信奉天神、地神，還信奉萬物有靈，據統計，東北地區原始薩滿教信奉的各類自然及非自然神靈總計約有一百七十多個，原始薩滿教在祭祀和巫術活動中，常常由巫師裝扮或使用圖畫裝飾來表達巫者與某些神靈取得了溝通"此外，在古薩滿教諸多神靈中，有眾多的母性纏纏神，這些纏纏人都是正面站立，兩手下垂，五指平分，五官陰刻，身著典型滿族服飾，發式也具有滿族特色，男性的巫者腦后的長辮子表現為豎直向上，女性纏纏人頭戴滿族發替，衣服陰刻鏤花，剪技粗獷、古拙，造型古樸，疑似典型的巫神信仰文化時期的圖騰遺存，部分剪紙還配有古老的滿族文字，增添了造型的神秘色彩"。

3.長白山薩滿剪紙藝術具有自由的想象力和獨特的藝術美感

神秘的長白山薩滿剪紙，起源于為薩滿通神所服務的實用功能，在其發展初期和其他古老藝術門類一樣有著一個巫術與藝術共存的階段，此時的薩滿剪紙多用于薩滿通過剪紙的符號化過程將某些自然物象征化、神秘力量實體化，或是利用創造未知形象使人對神靈的力量增強信心，或是借助剪紙的力量來驅趕一些不可見的惡靈"如果我們把薩滿的活動看作是一種藝術形式的話，那么保存至今的一些薩滿剪紙就從民俗文化、戲曲文化、歷史文化等諸方面向各階層的文化學者們提供了極有價值的珍貴的形象資料"人們有以剪紙、繪畫等視覺圖像作為具有象征意味的符號來溝通情感和認識的習慣"這些原始時期流傳至今的視覺符號形象，以自由充沛的想象力和稚拙樸素的情感在今天依然感染著我們，是人類積累下來的共同的藝術財富"。

篇（10）

藝術不追求直接的實效，它追求的是美。這是一種活的、有生命的、千差萬別的、變化無窮的形式，所以它在不同的作品里永不重復。如果把那些材料相同的作品歸類，那么相同的材料又都各表現著不同的美。藝術是人所創造的美，油畫亦如此。任何事物，它必須首先能使人感到美才可能成為藝術。離開了這個最基本的出發點，就很難理解藝術是什么。藝術靠技巧來表現和創造美，但如沒有美，技巧也就白費了。總之，藝術是一種美。任何事物，它必須首先是美的，然后才有可能是藝術，這是我所表達的第一個層次。

二、藝術是情感的表現藝術的任務，在于捕捉和表現。

我們把它定義為情感的表現。油畫從顏色、用筆等也表現出其畫畫人的情感。比如梵高的《向日葵》，莫奈的《日出印象》都表現了他們的情感。其實“情感”一詞并不確切。通常所謂“情感”，往往是指“憤怒”“、快樂”、“悲哀”等心理過程。這里的情感概念內涵要豐富、外延要廣闊。它無法獲得一個明確的心理過程。包括一切“只可意會，不可言傳”的東西；那些“憂來無方，人莫知之”的東西；那些“才下眉頭，卻上心頭”等。現代心理科學早已證明，正是那些東西的總和，構成了我們的內心生活的基本內容，構成了我們的“自我”。在這里，所謂“表現情感”，同“表現自我”是一回事。在創作過程中，我對這些作品都有了很深的情感，尤其是那張彩色的裝飾作品，我在它身上注入了對現代時尚美的追求！并大膽地采用了純色和當今的流行色，表現五彩的世界和人們的激情。在此幅作品中我還融入了當今最流行的影視藝術，在此表現出社會時尚元素不斷追求的情感。這是我所表達的第二個層次。

三、藝術的創作作為情感的表現，實際上是一個意境問題。

若問藝術家創造了什么，回答就是創造了意境。畫布上涂滿各種顏色，鍵盤上敲出各種樂音，稿紙上寫著各種單詞……如果這些顏色、樂音、單詞是有機地互相關聯而形成一個活的有生命意味的整體時，那么不論它是抽象還是具體，不論它是否合乎邏輯，它都必然地構成這種或那種意境，具有這種或那種表現性。這個有機整體，我們稱之為藝術。它是被創造出來的，是藝術家按照自己感情的旋律創造出來的。在它被創造出來以前，它并不存在。這就像各種顏色是原先就存在的，但是用幾個顏色構成一個活的有機整體，是畫家的創造。在他創造以前，你可以找到顏色、畫布，等等，但卻找不到那個意境。在作畫過程中我的調色板，我感到就很有創作性，它的美我認為不是一般人可以感受到的，慢慢的體會每一個色塊的安排，慢慢的體會同一種顏色的變化，它是很有藝術性的，很有層次，很有韻味。假如顏色在畫布上不能構成活的有機整體，那它就是涂在畫布上的顏色，此外什么也不是。活的有機整體并不活在畫布上，而是作為一種具有虛幻維度的形式，活在欣賞者的感受之中。所以它是意境而不是實境。一種意境就是一種藝術形式，一種藝術形式就是一定情感或心緒的動態形式的同構形式。情感本身及其表現也不等于藝術，只有它客觀化為一定的物質形式才是藝術。在實踐中藝術靈感總是來源于生活。這是我所表達的第三個層次。